FAMILIARISEZ-VOUS : SANFORD BIGGERS
Chapitre 1NE - l'exposition collective à Het Hem, organisée par les fondateurs de Patta, Edson & Guillaume - est maintenant visible. Ici, sur le blog Patta, nous présenterons quelques-uns des artistes participants. Précédemment : Aria Dean
Pour une brève introduction à nos lecteurs, qui êtes-vous et comment décririez-vous votre art ?
Je m'appelle Sanford Biggers. Je suis un artiste conceptuel basé à Harlem, New York, travaillant dans divers modes de création allant du film, de la vidéo, de l'installation, de la sculpture, du dessin, de la musique et de la performance. Je considère mon travail comme une interaction de récit, de perspective et d'histoire qui parle d'événements sociaux, politiques et économiques tout en examinant les contenus qui les portent.
Comment a commencé votre relation avec l’art ?
En fait, je me suis lancé dans les arts visuels grâce à la musique. Quand j'ai grandi à Los Angeles, j'ai suivi des cours de piano classique pendant environ 2 ans avant de réaliser que je n'avais aucune envie de jouer du classique. Après avoir convaincu mes parents de me retirer des cours, j'ai commencé à écouter le groupe de garage de mon frère aîné et à essayer de jouer ce qu'ils étaient. Je restais également assis au piano pendant des heures et essayais de jouer tout ce que j'entendais à la radio et, grâce à cela, j'apprenais essentiellement à jouer à l'oreille. Vers 12 ou 13 ans, j'ai commencé à écouter du jazz mais je n'arrivais pas à suivre ce que j'entendais alors j'ai commencé à dessiner et à peindre des portraits des artistes que j'écoutais. J'apportais ces peintures de Monk, Herbie, Miles, Ella, etc. à mes cours d'art comme devoirs et j'étais surpris des conversations qu'elles inspiraient. Je pense que c’est à ce moment-là que j’ai commencé à réaliser le pouvoir de communication et de diffusion des idées possible grâce à l’art.
Comment placeriez-vous votre art dans notre paysage social/politique actuel ?
Les œuvres d'actualité et chargées sont toujours présentes tout au long de l'histoire de l'art, mais le discours public est parfois plus attentif à ce que disent les artistes et à d'autres moments, il ne s'intéresse pas du tout aux « problèmes ». L’identité américaine actuelle est en pleine évolution et l’art est l’une des rares formes de communication permettant de transmettre des messages alternatifs, stimulants et nuancés. Je considère mon travail comme faisant partie de ce discours social et culturel plus large, mais aussi comme faisant partie de la longue histoire de la création d'objets et d'images.
Selon vous, qu’est-ce qu’un artiste doit ajouter sur le plan culturel ?
L’art visuel a la capacité unique d’utiliser des dispositifs visuels, conceptuels, historiques et même sociaux sophistiqués qui, à mon avis, abordent de manière plus adéquate les complexités et les nuances des temps ou des turbulences passées et actuelles. Alors que la plupart des formes de médias de masse cherchent à simplifier et à réduire les questions d'actualité à des catégories binaires plus faciles à digérer, à défendre ou à opposer, les artistes peuvent utiliser leur plateforme comme un acte de commentaire créatif, ce qui, à mon avis, est l'un des rôles les plus poignants et potentiellement perturbateurs du jeu. art.
Quels messages essayez-vous de transmettre à votre public à travers votre art ?
Bien que j'utilise consciemment plusieurs formes de médias, mon programme est cohérent et consiste à inviter le spectateur à lire entre les lignes et à voir sous la surface de ce qui se trouve physiquement devant lui. Il existe une myriade de récits conceptuels, historiques, matériels et processus dans chaque œuvre. Je veux que les téléspectateurs ralentissent, prennent en compte ces éléments et partagent leurs réflexions avec les autres.
Comment comptez-vous que les spectateurs interagissent avec votre travail ?
De manière réfléchie et avec un esprit ouvert.
Quel rapport avez-vous avec la devise de l'exposition « On ne peut pas être gourmand.. Tu dois en prendre et en laisser ? »
Pour moi, c'est le reflet de la subjectivité. Il est important pour un artiste d'avoir un message et de le transmettre, mais il ne se traduit pas toujours de la même manière pour chaque destinataire. Nous varions tous en termes d’alphabétisation visuelle et culturelle en fonction de nos propres expériences et aucune interprétation n’est correcte. Ce n’est pas toujours l’auteur qui dicte ce qui est entendu et comment cela doit être compris. Un artiste doit abandonner son ego. Cela témoigne également de la générosité inhérente au partage de son processus créatif avec les autres.
Quelle a été l’inspiration pour votre pièce, présentée dans l’exposition à Het Hem ?
Depuis 2012, le monde a été témoin du meurtre de Trayvon Martin, Michael Brown, Eric Garner, Sandra Bland, Tamir Rice et d’innombrables autres citoyens noirs non armés aux mains de la police, qui s’en sort souvent sans aucune sanction. J'ai créé cet ensemble d'œuvres intitulé « BAM » comme un moyen de souligner ces transgressions récentes et d'élever les histoires d'individus spécifiques afin de lutter contre l'amnésie historique.
BAM (Pour la Jordanie) commémore Jordan Edwards, un Texan de 15 ans originaire de Dallas, décédé en 2017 des suites de coups de feu tirés par un policier. Jordan quittait une fête avec son frère lorsqu'un policier lui a tiré une balle dans la nuque alors qu'il se trouvait sur le siège passager avant d'un véhicule qui s'éloignait des policiers qui tentaient de l'arrêter. En réponse aux violences policières continues contre les Noirs américains, cette série est composée de sculptures en bronze refondues à partir de fragments de statues africaines en bois qui ont été anonymisées par trempage dans la cire, puis « resculptées » balistiquement. J'ai ensuite coulé les personnages re-sculptés en bronze, un matériau historiquement noble et important. Ce processus confère honneur et gravité à la figure endommagée, lui permettant de devenir un « objet de pouvoir » qui, avec la mémoire de chaque victime, est digne de vénération et un rappel brutal du travail qui doit être fait pour lutter contre l'injustice. BAM (For Jordan) est installé dans le stand de tir de l'ancienne usine de munitions de Het HEM, où le contexte local résonne à travers l'œuvre d'art et son contenu actuel.
BAM (pour la Jordanie), 2017
Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la galerie Marianne Boesky.
Quels conseils donneriez-vous aux jeunes artistes qui souhaiteraient exposer leurs œuvres en galerie ?
Persévérez et ne compromettez pas votre métier ou votre vision.
Pourriez-vous partager les noms de quelques artistes dont vous appréciez le travail en ce moment ?Caitlin Cherry, Ektor Garcia, Sigmar Polke, Esteban Cabeza de Baca, Allison Jane Hamilton, Terence Nance et Olifur Eliason pour n'en nommer que quelques-uns.
